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▲上海出品的舞剧《永不消逝的电波》（上海歌舞团供图）
创造性转化与创新性发展，是传承和发扬红色文化、海派文化、江南文化的必经途径。真正落实到具体作品的创作中，则需要艺术工作者们富有更多的生活积淀、更饱满的创作创新热诚、更精湛的艺术表达技能、更高更自觉的使命担当、更深的对人民的情怀。
“十三五”期间，在从高原迈向高峰的道路上，上海文艺院团通过舞剧《永不消逝的电波》、杂技剧《战上海》和评弹剧《医圣》等一批制作精良的舞台作品，进行了“两创”的有效实践，在坚持本体的基础上凸显优势，补齐短板，让红色文化、海派文化、江南文化有了更丰富的舞台呈现、更生动的艺术表达，使得“上海文化”品牌产生了更加广泛的传播力与影响力。就拿《永不消逝的电波》来说，到本月25日，该剧的全国巡演场次将达到200场，有些观众甚至从苏州一路追到沈阳，连看了31场。
适应观众不断变化的审美需求，为自己赢得更大舞台
评论家、上海戏剧学院教授荣广润用“X+剧”来概括《永不消逝的电波》《战上海》和《医圣》三部作品在艺术样式上的创新。这实际上体现了这些传统艺术门类在今天面临的共同课题：如何突破原先单一的表现形式，适应观众不断变化的审美需求，为自己赢得更大的舞台。
以《战上海》为例。主创曾经表示，尽管接连拿下世界杂技最高奖“金小丑”，但如何从为炫技而生的马戏城，走向对综合呈现要求更高的现代剧场，是上海杂技团一直以来渴望攻坚的课题。
《医圣》的诞生，一个很重要的原因也是上海评弹团希望改变一直以来的表演样式，让演员不仅站起来，而且增加更多表演、更多场景、更多戏剧元素，从而增强表现力，争取更多观众。
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▲评弹剧《医圣》（上海评弹团供图）
然而，无论是杂技还是评弹，在与戏剧元素的碰撞中都会产生很多新问题，成为创作中亟待突破的瓶颈。
以杂技为例，评论家李守成表示，杂技的特点是杂，每个节目自成体系，不需要任何逻辑上的联系；杂技的本体是技，通过高难度技艺的展现带给观众审美享受。一旦变成“杂技剧”，就意味着要在保留传统技艺的基础上，用内在的逻辑来串联各个节目，使之能够表现情节和人物。这是《战上海》在创作中面临的最大难点，而该剧最终能够取得成功，在去年作为第21届中国上海国际艺术节开幕演出亮相之后叫好又叫座，也正是因为在这方面作了有效突破。评论界一致认为，无论是“雨夜飞渡”里的梅花桩、“铁骨攻坚”里的软梯、“暗巷逐斗”里的地圈，还是“生死黎明”里的蹦床，传统的杂技节目被有机地融入故事情节，并且被注入了情感，技艺由此从原先的“炫”转换成了艺术表达和思想诠释。
突破对艺术门类的固有认知，丰富中国故事的传播载体
如果说观众的审美需求是一种外在动力的话，那么，这几部上海出品的文艺作品不约而同地以 “剧”为后缀——用李守成的话来说，即“把长于叙事的戏剧移植、改编、转化到舞蹈、杂技和曲艺的舞台上”，其背后更有文艺院团一种由内而外产生的驱动力。
舞剧《永不消逝的电波》是一个非常典型的例子。作为向新中国成立70周年献礼的作品，它自诞生以来全国巡演接近200场，让观众感受到了创作者讲述中国故事的澎湃激情。评论家方家骏告诉采访人员，中国舞剧曾经诞生过《小刀会》《白毛女》《红色娘子军》等具有强烈叙事意识的经典作品，但是在此后相当长的一段时间里，故事性被视为舞剧的一种过时，“舞剧应该追求可舞性可看性”的观点逐渐成为业界主流。然而，如果一味放弃对于叙事性和思想性的追求，放弃对表演语汇的拓展，那无疑是一种自我边缘化，无法走到今天的文化主流中来。《永不消逝的电波》最终能够爆红出圈，很大程度上正是源自青年一代编导对于叙事的自觉回归。创作者成功借鉴和吸收了戏剧元素甚至电影类型，将一个情节复杂的故事组织在舞剧里，融汇在肢体语言中。
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