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二、演员唱腔的功底
除了客观的设施，演员本身也要有“真功夫”。不同的戏曲流派有不同的唱腔特色，同一流派的不同的演员也有个人特色，如程派柔中带刚，梅派柔润宽亮，余叔岩、言菊朋师从谭鑫培而自己又开宗立派等等。
但为了将声音更好地传出去，梨园有约定俗成的唱的规矩。首先是要避免白声，即在台上唱戏不能不经扩大，这样容易“堵在嗓子眼出不来”。
其次，戏曲演员要爱护自己的嗓子，但又不能只用嗓子唱戏，这对嗓子是毫无必要的过度使用，而且发声效果也并不理想。
这样，就要求演员要口咽共鸣，喉肌放松，找到自己的“气息支点”，使声音由口、咽腔，经过喉腔到达胸腔和腹腔，这样，声音更为圆润、富有流动性，而不凝滞、不艰涩，音色更好，能够传得更远、更亮，而且对嗓子的消耗也少一些。
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人们常说的“吊嗓子”，其实也就是戏曲演员日常生活中练习自己的声音穿透性，使唱戏时能够更好地集中注意力，放松口腔、胸腔等，在放松状态下使音色、音质都得到更好的展现。
【 古代|古代没有音响，观众如何听清戏台上的声音？古人已有声学考量】另外，戏曲演员还有“大嗓”、“小嗓”的讲究，粗略地讲，也可以看做真声和假声的歌唱。演戏过程中，不仅有高亢的唱段，还有婉转低柔的唱段，更有念白、韵白等，这时候，要让演员通通扯着嗓子喊是不现实的。
那么，歌唱的前辈就想出了“混声唱法”这一方式，也就是将头声区、口咽腔区、胸腔区的声音有机结合, 使声音更为和谐，真假声切换时近于无痕转换的一种方法,也能增加穿透力, 让假声得到和真声一样的音质质感。
这样，就最大限度地做到了兼顾小嗓的低柔和传声效果。
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一直到现在，各个剧种的戏曲演员唱腔特色各异，但无一例外气息绵长，音域广，穿透力强，中气足。这也许是对传统的保留吧。
三、小结
一切成果都是人民群众智慧的结晶，戏台上的声音之所以能被广泛听到，不仅是艺术家们唱功了得，更应该感谢设计和建造戏台的工匠们，正因为巧妙的结构设计，戏台和演员才能相得益彰，共同使观众享受到绝佳的视听盛宴。
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